Mujeres en el arte del Paraguay

Montserrat Solé de Bravard

2010-02-18T04:56:00.000-08:00

Estudió dibujo desde niña con el Profesor Don Pablo Alborno. A los 15 años presentó su primer cuadro en la Exposición del primer Salón Independiente de Artes Plásticas del Ateneo Paraguayo, cuadro que fue elogiado por la prensa y premiado.
Fue alumna del Maestro Don Juan A. Samudio.

Exposiciones:

-Primer Salón Independiente de Artes Plásticas, Ateneo Paraguayo, Primer Premio (1935)
-Salón de Otoño, Casa Argentina, Primer premio (1946)
-Centro J. Natalicio González (1948)
-Quinta Exposición en el Salón de Artes Plásticas de Posadas de artistas paraguayos (1949)
-Salón de Otoño, Casa Argentina, Accesit (1951)
-Tercer Salón Femenino de Pintura y Cerámica, Gran Rex (1953)
-Salón de Primavera, Artistas Plásticos, Ateneo Paraguayo (1953)
-Exposición Retrospectiva de la Pintura Paraguaya, San Pablo, Brasil (1956)
-Salón de Arte Religioso, Casa Argentina (1957)
-Salón Anual de Arte, Salón Don Carlos Antonio López (1958)

(Fuente: Catálogo de la muestra La mujer en la Plástica Paraguaya, sin fecha, Centro Cultural Paraguayo Americano)

Compartir en Facebook

Edith Jiménez (1918-2004)

2009-04-30T07:22:00.000-07:00

Pintura de Edith Jiménez (imagen extraída de Wikipedia)

Pintora y grabadora, nacida en Asunción en 1918, comenzó sus primeros estudios de pintura con Jaime Bestard en 1943. En 1952 realizó su primera muestra individual en el Centro Cultural Paraguayo Americano, y al año siguiente representó a Paraguay en la II Bienal de San Pablo (Brasil). También participó ese año de la exposición organizada en las vidrieras de Asunción por el grupo Arte Nuevo.

En el año 1956 se inició en el grabado con el profesor brasileño Livio Abramo, y dos años más tarde recibió una beca del Gobierno del Brasil para estudiar grabado en el Museo de Arte Moderno y en el estudio Gravura de San Pablo.

En 1959 expuso en San Pablo (Brasil) y en Asunción. Al año siguiente ganó la Medalla de Oro en el Primer Certamen Latinoamericano de Xilografía de Buenos Aires y comenzó a enseñar grabado en el Centro de Estudos Brasileiros de Asunción.

En la década de 1960 comienza a desarrollar la abstracción, género que le valió el Premio Kennedy en el certamen organizado por el Centro Cultural Paraguayo Americano. Expuso en la Bienal de San Pablo, recibiendo Menciones de Honor en reiteradas ocasiones, y participó en la fundación del Museo de Arte Moderno de Asunción.

En las décadas de 1970 y 1980 expone sus obras en muestras individuales y colectivas de grabado y pintura en diversas ciudades del mundo, en Río de Janeiro, Nueva Jersey, Capri, San Pablo, Madrid, Puerto Rico, Brasilia, Buenos Aires, San José de Costa Rica, Toyonaka (Japón), París, Villeparis (Francia), Washington. También expone en Asunción, en la galería Arte Sanos y en el Centro Cultural Paraguayo Americano, en la galería Fábrica, en el Viejo Galpón y en Siddartha de San Bernardino, en la Galería Michele Malingue, en la Galería Magister, en el Centro de Estudos Brasileiros, en el Club Centenario. Veintiocho obras suyas pasaron a integrar la Pinacoteca del Senado Federal de Brasilia. En 1974 recibió el Premio Internacional de la VIII Bienal de San Pablo (1975), uno de los premios más importantes recibidos por un artista paraguayo.

Sobre esta artista, Josefina Plá expresa: “Edith, pintora de ayer y hoy, grabadora desde hace tiempo y siempre, sigue su carrera cobijada por su magnífica modestia, en su labor toda entrega, en la cual, permaneciendo siempre fiel a sí misma, puede, por ello, ofrecernos algo nuevo y sugestivo en cada muestra”.

El escritor Augusto Roa Bastos, expresa sobre la artista: "Edith Jiménez es una experta de reconocido y antiguo prestigio en este trabajo de creación artística, que tiene a su vez, por naturaleza, una afinada sabiduría artesanal, base de todo arte genuino. Su calidad y su rasgo más significativos son precisamente los de su espontaneidad fruto de una maduración rigurosa. Todo ello se expresa en el concepto emitido por ella misma de "dejarse llevar, de dejarse estar", es decir, de entregarse simple pero alucinadamente a la pasión de su oficio."

Su obra integra importantes colecciones como las del Museo de Arte Moderno de Nueva York, del Museo de la Estampa de Buenos Aires, de la Biblioteca Nacional de París, el Smith College Museum de los Estados Unidos y los más importantes museos del Paraguay. Fue declarada “Hija dilecta de la ciudad de Asunción”, junto con el escultor Hermann Guggiari, por la Junta Municipal de la capital, a iniciativa del arquitecto y artista plástico Luis Alberto Boh, quien en ese tiempo era Concejal.

Murió el 7 de octubre de 2004.

Choza, óleo sobre madera, 25 x 20 cm. Colección de la Galería El Círculo

Las Lavanderas, óleo sobre madera, 25 x 20 cm. Colección de la Galería El Círculo

Óleo sobre madera, 25 x 20 cm. Colección de la Galería El Círculo

Fuentes:
Edith Jiménez, Wikipedia
Edith Jiménez, Portal Guaraní
Edith Jiménez, Galería El Círculo
Edith Jiménez, Museo de Arte Digital (onlinemad)

Alicia Bravard (1913-1986)

2009-04-29T08:33:00.000-07:00

Nació el 14 de octubre de 1913. Alumna de Jaime Bestard, enseñaba dibujo en el Colegio Nacional de Niñas, en el Liceo San Carlos, la Escuela Normal y otras instituciones. También realizó cursos de dibujo y pintura con el brasileño Joao Rossi en la década de 1950 e integró el grupo Arte Nuevo.

Recibió un premio en el Salón de Otoño de la Casa Argentina en la década de 1940. Participó en los salones femeninos de primavera del Ateneo Paraguayo de la década de 1950. En 1953 participó en la segunda Bienal de San Pablo (Brasil) y realizó su primera exposición individual en el Unión Club. En 1955 expuso en la tercera Bienal de Barcelona (España). Participó en muestras y salones nacionales e internacionales, en Brasil, Argentina, Uruguay, Chile y Colombia. Sus obras forman parte de colecciones privadas de Paraguay, Francia, España, Estados Unidos, Colombia y varios países latinoamericanos.

Su obra puede considerarse de un estilo pos impresionista en el que puede apreciarse la influencia de su maestro Jaime Bestard. Con respecto a su técnica, en un principio utilizó el pincel, pero luego comenzó a manejar la espátula con gran dominio y expresividad. Sus temas fueron los paisajes del Paraguay, principalmente, pero también realizó naturaleza muerta, retrato y figura humana. El paisaje de La Cordillera, las zonas cercanas a Caacupé, el Parque Caballero en Asunción fueron plasmados por ella en excelentes pinturas.

Según el crítico Miguel Angel Fernández, la obra de esta pintora “constituye probablemente uno de los hechos artísticos más interesantes de mediados del siglo XX”.

Sobre su pintura, su maestro Jaime Bestard expresa: “En sus realizaciones últimas, abandonando un medio técnico con el cual obtuvo señalados éxitos, se apodera decididamente de otro y orienta su visión en forma nueva. Saltan a la vista los vigorosos trazos que mantienen vibrantes los acordes. Y, sin alterar la armonía, empasta los tonos brillantes de los caminos de arcilla roja, que resplandecen bajo el sol, con los variados matices del verde de nuestra floresta”. “Este feliz resultado es debido a que la artista modeló sus primeros pasos en el campo impresionista”.

En la década de 1970, por causa de la artritis que padecía, comenzó a pintar con menos frecuencia. Murió el 29 de junio de 1986.

Imágenes: pinturas de Alicia Bravard, sin datos, extraídas del diario ABC digital.

Fuentes:

Portal Guaraní - Alicia Bravard

Miguel Ángel Fernández ( Crítica del Catálogo/Exposición “ALICIA BRAVARD Pinturas / 20 Años después * Casa Castelví - Agosto 2006 ).

El País de Alicia - artículo en el diario ABC - 6 de agosto de 2006

Olga Blinder (1921-2008)

2009-04-29T07:36:00.001-07:00

Maternidad (1953) Óleo sobre tela. Colección particular

Una artista de radical importancia para el arte paraguayo fue Olga Blinder, por ser parte responsable de su renovación e ingreso en la modernidad y por haber desempeñado una labor educativa que tuvo abundantes frutos, tanto en la formación de artistas como en la generación de espectadores capaces de apreciar mejor el arte en sus diversas formas y corrientes. Fue pintora, dibujante, grabadora y educadora.

Olga Blinder, de origen judío, nació en Asunción en 1921. Vivió durante difíciles etapas de la historia paraguaya, como la Guerra del Chaco, la Revolución del 47 y la larga dictadura de Stroessner. Desde pequeña le gustaba dibujar; su padre la apoyaba en esto, y también le incentivaba la lectura. Cuando joven, realizó un curso de dibujo por correspondencia.

En 1938 terminó el colegio con la medalla de mejor bachiller, al año siguiente ingresó a la facultad de Ingeniería. Siguió la carrera hasta el tercer curso y estando en la facultad contrajo matrionio con Isaac Schwartzman.

En 1948 su marido la anotó en un curso de pintura en el Ateneo Paraguayo con la profesora Ofelia Echagüe Vera, una pintora sumamente importante en el Paraguay para la transición hacia el arte moderno, que se desarrolla tardíamente en comparación con el resto de América. Cabe destacar la influencia decisiva que tuvo en este hecho la llegada en 1950 del brasileño João Rossi, quien impartió clases informales que acercaron a sus alumnos a las tendencias de vanguadia. Un hito que es señalado como punto de quiebre fue la exposición de Olga Blinder, el 16 de setiembre de 1952. El catálogo de la exposición registra los comentarios de Josefina Plá y João Rossi en defensa de las nuevas tendencias estéticas, surgiendo así una nueva modalidad en la que una propuesta visual es respaldada por un planteamiento teórico.

En 1954, Olga Blinder expone con el Grupo “Arte Nuevo”, del cual fue una de las fundadoras, junto a Josefina Plá, Lili del Mónico y José Laterza Parodi. Esta exposición, que se conoce como la Primera Semana de Arte Moderno Paraguayo, se realizó en las vidrieras de la calle Palma de Asunción, causando una reacción de perplejidad en el público.

Algunas de las primeras obras de Olga no se alejan mucho de lo académico, pero ya muestran cierta inquietud por los temas sociales. En otras se evidencia la influencia de Picasso y el cubismo en la tendencia a la geometrización, algo que ya había ocurrido mucho antes en el resto de Latinoamérica como un paso casi ineludible en la búsqueda de una imagen con identidad propia. Según Luly Codas, Olga se debate entre los caminos marcados por una preocupación formal, a partir de su aprendizaje con Ofelia Echagüe Vera, y por el interés en lo expresivo, fruto de sus clases con João Rossi.

A la luz de la lámpara (1952) Óleo sobre tela. Colección particular

Flores amarillas (1953) Óleo sobre tela. Colección particular

Hacia las décadas de 1960 y 1970, sus búsquedas e investigaciones se van afianzando en propuestas diferentes que a veces se dan en forma simultánea. Por un lado, produce obras con énfasis en lo pictórico, con riqueza en la pincelada, en la textura y la materia (como puede verse en su obra “La sombrilla”).

La mujer de la sombrilla (1963) Óleo, pintura sintética y collage sobre tela

Su deseo constante de renovación también la lleva a incursionar en la pintura sobre soportes recortados, desarrollando una serie en 1967. Otras series que exploran distintos caminos expresivos son la de los “Homenajes a Antonin Artaud, Josefina Plá o Joseph Albers”, la de los “Papeles rotos”, la de “El Proceso de la Mancha” (Homenaje a Batle Planas) y el montaje de 1978 llamado “Señorita sin pies ni cabeza”, presentado en la muestra de “Arte catastrófico”.

Livio Abramo, quien llegó del Brasil al Paraguay en 1956, fue el maestro de Olga Blinder en la técnica del grabado. Con él funda y dirige el Taller de Grabado del Centro de Estudios Brasileños. En esta disciplina, Olga coincide con el expresionismo de las tendencias neofigurativas, desarrollando contenidos sobre la problemática social y la condición humana (“Los torturados”, "Inútil espera").

Inútil espera (1968) Xilograbado

Sobre Olga Blinder, Luly Codas expresa que “con su obra ha recorrido los grandes apartados del arte moderno: la Figuración (Figuración deformante, Neo-Figuración) y la Abstracción (Abstracción lírica, geometrizante) hasta diversos abordajes a lo conceptual; pero siempre, permanentemente asomada a los balcones del mundo humano, siempre solidaria a la condición humana.”

Como educadora, ejerció la docencia en arte durante más de 30 años, promovió y desarrolló la educación por el arte, dirigió varias instituciones educativas, como la Escolinha de Arte de la Misión Cultural Brasileña y los Talleres de Arte del IDAP. Fue fundadora y Directora del Instituto de Arte (IdeA) y del Instituto Superior de Arte (ISA) dependiente de la Universidad Nacional de Asunción. Recibió numerosos premios: de la Liga de Derechos de las Mujeres, del Gobierno Brasileño, del Ministerio de Educación y Cultura de Argentina, que le otorgó el premio de Integración Latinoamericana. También publicó gran cantidad de libros.

Su personalidad era fuerte y casi amedrentadora, de convicciones firmes, humilde en la evaluación de su propia obra, de una sinceridad a veces áspera pero justa para la crítica. Falleció el 19 de julio de 2008, dejando un valioso legado que deberá ser merecidamente resguardado y difundido por todas las instituciones culturales y artísticas del Paraguay.

Acorde (1955) Óleo sobre tela. Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo

La calesita (1952) Óleo sobre tela. Colección particular

Fuentes bibliográficas y sitios web sobre Olga Blinder:

"El mundo imaginado por Olga Blinder - sus pinturas" (set. 2007) William Paats
"Olga Blinder, una biografía" (2005) Teresa Gossen
Catálogo de la muestra "Olga Blilnder, 50 años después", Centro Cultural de España Juan de Salazar.
Una interpretación de las Artes Visuales en el Paraguay, Ticio Escobar
Arte Actual en el Paraguay - Olga Blinder, Ticio Escobar y Josefina Plá
Ficha de Olga Blinder - MAD, Museo de Arte Digital
Biografía de Olga Blinder
Olga Blinder - Wikipedia
Olga Blinder y el Arte Moderno en el Paraguay - Luly Codas
Tributo a Olga Blinder en el Correo Semanal
Entrevista de Valeria Gallarini, "Olga Blinder, entre manchas y recuerdos" en el blog Flor de Camalote

Lilí del Mónico (1910-2002)

2009-04-29T07:30:00.000-07:00

La pintora Lilí del Mónico posando junto a su obra

El grupo Arte Nuevo, creado en el año 1954, es reconocido como el iniciador de una ruptura con la tradición establecida en la pintura paraguaya y el comienzo de la etapa moderna. Lilí del Mónico perteneció a esta agrupación, junto a Olga Blinder, Josefina Plá y José Laterza Parodi.

La artista nació en Suiza, en el año 1910. En su país comenzó a estudiar pintura al óleo, con David Burnan. En Paraguay fue alumna de Jaime Bestard, artista plástico paraguayo que estudió en Buenos Aires y París, maestro con gran dominio de la técnica y la composición, con un perfil posimpresionista que luego fue mostrando ciertas inquietudes renovadoras.

Su primera muestra individual fue realizada en el año 1950, en el Centro Cultural Paraguayo Americano de Asunción (Paraguay). Dos años más tarde expone en el Salón Femenino de las Artes Plásticas en el Unión Club de la misma localidad.

En 1954 se lleva a cabo la Primera Exposición de Arte Moderno en Asunción, organizada por el Grupo Arte Nuevo, cuyos integrantes deciden mostrar sus obras en las vidrieras de los negocios de la calle Palma de Asunción. El grupo se reafirma exponiendo ese mismo año en la Sociedad de Artistas Plásticos Argentinos.

En la trayectoria de Lilí del Mónico se cuentan varias muestras colectivas en Asunción en el año 1960, y en 1975 integra la exposición colectiva denominada “La mujer en la plástica paraguaya”. El catálogo de esta muestra hace referencia a la artista: “Al comienzo de su carrera, Lilí del Mónico pinta indiscriminadamente retratos, figuras y flores. Pero a partir de la exposición de Arte Moderno (…) se dedica con exclusividad a las flores. Es una pintora de rasgos posimpresionistas y sus características son la soltura y la valentía en la factura, un colorido fresco y una espontaneidad en la composición; cualidades que se acentúan en sus últimas muestras.”

Su segunda exposición individual fue en 1967 en la Galería Kennedy, y las siguientes individuales en 1972, 1974 y 1980 en el Centro Cultural Paraguayo Americano, en 1988 en las galerías Fábrica y Arte-Sanos de Asunción. En el catálogo de la muestra en esta última galería, Olga Blinder expresa: “Lilí fue buscando su camino y sus hallazgos no fueron casuales. Siempre es su coherencia interior la fuerza que la guía y, aunque su producción no es constante ni se rige por una línea técnica o temática, la fuerza de su pintura se apoya en su autenticidad, que la hace pintar como habla y actúa en su vida cotidiana. Lilí es así, le guste o no le guste a la gente y, por eso, su pintura trasunta la misma fuerza que siempre la empujó, en todos sus emprendimientos”.

Expuso también en el exterior, en 1976 en la Galería de la Librería Colonial de Punta del Este (Uruguay). En ese mismo país realizó una muestra individual de óleos. En 1990 y 1994 expuso en Lugano, Suiza, donde expuso cuadros que representaban a la mujer.

Lilí del Mónico dejó plasmadas sus reflexiones sobre su trayectoria en la pintura y su participación en el grupo Arte Nuevo en su libro “Entre pinceles y cañaverales”, editado en Asunción en el año 1990, que también ha sido editado en italiano.

Sobre ella, dice Josefina Plá: “Lili del Mónico, única pintora que hizo pintura de rasgos fauve en un comienzo, regresó hacia un figurativismo más tradicional en los últimos tiempos, pero su fuerte han sido siempre los motivos florales donde una pincelada y color posimpresionistas animan composiciones de inclinación decorativa”.

"Flores" Colección Galería El Círculo. Óleo sobre madera. 80 x 50 cm.

Sus pinturas integran la colección del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo de Asunción y colecciones privadas de Paraguay, Argentina, Uruguay, Estados Unidos, Venezuela, España y Suiza.
Lilí falleció en Benjamín Aceval (Paraguay) el 7 de febrero de 2002. En el año 2007 se realizó una retrospectiva de sus obras en la Universidad Americana de Asunción, Paraguay.

"Dos mujeres" óleo, 1954

Fuentes y bibliografía sobre Lilí del Monico:

Lilí del Mónico - Wikipedia

Centro Cultural de la República El Cabildo

Dicicionario Biográfico “Forjadores del Paraguay”, Primera Edición, 2000 Quevedo Ediciones, Bs.As. Argentina

Catálogo de la muestra “La mujer en la plástica paraguaya” realizada en el Centro Cultural Paraguayo Americano.

Diario ABC Color (18-5-2008) Retrospectiva de Lilí del Mónico en la Americana

Lilí del Mónico - Galería El Círculo

Ofelia Echagüe Vera (1904-1987)

2009-04-29T07:26:00.000-07:00

Posible retrato inconcluso. Colección de la familia Echagüe Sisul

La obra de Ofelia Echagüe Vera se ubica en una etapa de transición entre la pintura tradicional y las corrientes innovadoras en el arte del Paraguay. Su sólida formación en el oficio le permitió ejercer con idoneidad el magisterio de esta disciplina incorporando nuevos elementos a la formación académica. De sus talleres surgieron importantes artistas, la mayoría mujeres.

Nacida en Asunción, el 30 de octubre de 1904, comienza sus estudios de dibujo con el maestro italiano Héctor Da Ponte, ingresando luego a las clases del Instituto Paraguayo, mas tarde llamado Ateneo Paraguayo. En la década de 1930 toma clases de dibujo y pintura con Pablo Alborno, artista paraguayo que había obtenido becas para estudiar en Montevideo e Italia, y con Modesto Delgado Rodas, que también estudió en Europa, especialmente en Italia, por medio de una beca. Además fue alumna del profesor húngaro Adam Kunos, egresado de la Real Academia de Budapest, con quien se casó luego de unos años.

Ofelia recibió una beca del gobierno nacional para estudiar en Montevideo en 1938, donde tuvo clases con el profesor Domingo Bazzurro hasta el año 1941. Luego se trasladó a Buenos Aires, ingresó en la prestigiosa Escuela “Ernesto de la Cárcova” y se graduó con honores como Profesora Superior de Pintura. Allí fueron sus profesores Alfredo Guido y Emilio Centurión. La influencia del segundo hizo que la obra de Ofelia se vuelva menos tradicionalista, dejando de lado un costumbrismo anecdótico para dar más importancia a la estructura plástica, siguiendo los lineamientos del posimpresionismo porteño, según Ticio Escobar. Un desnudo realizado por Ofelia en el año 1945 tiene gran parecido en la pose y la construcción rotunda de la figura con La venus criolla de Centurión, realizada en 1934.

En 1946 Ofelia regresa al Paraguay y expone en el Club Centenario una serie de desnudos, de volúmenes sólidos y estructurados, composición rigurosamente planificada en el ordenamiento del espacio y las figuras. Para ella el desnudo constituye “un problema pictórico de máxima jerarquía”. Esta fue la primera exposición en nuestro medio de una mujer artista, pero lamentablemente la sociedad paraguaya de la época no estaba preparada para apreciar el desnudo como tema del arte y las obras tuvieron que ser retiradas luego de la inauguración, para evitar que las damas que frecuentaban el club se sintieran incómodas.

Pudor, sin fecha, óleo sobre tela, colección de la familia Echagüe Sisul

Su retorno contribuye en gran medida con los cimimentos del cambio en el arte local. “Ofelia regresa de Buenos Aires y Montevideo en 1946 con un bagaje técnico y conceptivo que representa ya cierto adelanto sobre los esquemas locales. Su ejemplo enfervoriza sin duda a las vocaciones noveles del momento. Todas ellas, adviértase, femeninas: Edith Jiménez, Alicia Bravard, Leonor Cecotto, Montserrat Solé. Pero por el momento aún esas vocaciones no entrevén su ruptura con el medio.” (Josefina Plá)

Ofelia fue Profesora de Dibujo Artístico en el Ateneo Paraguayo (1947) y ejerció también la docencia en la Escuela de Bellas Artes, donde llegó a ser Vicedirectora.

Sus retratos, de facciones estructuradas, muestran una expresividad contenida pero latente, explícita en la mirada taciturna que no se dirige al espectador. La pose tensa o mínimamente relajada y la austeridad del espacio circundante dejan entrever una preocupación por el ser humano en su relación con el mundo y ponen de manifiesto la angustia existencialista, tomando como base la interpretación del crítico Ticio Escobar. Algunas de sus figuras nos remiten a Cézanne y en ciertos atrevimientos se acerca a la vertiente porteña del cubismo.

En el Ateneo Paraguayo se encuentra una colección de obras de Ofelia Echagüe Vera, relacionadas con la música: un retrato al óleo titulado “El adolescente”, que probablemente representa al compositor Moreno González en su juventud y tres dibujos a lápiz que representan a Chopin, Liszt, y el musicólogo paraguayo Juan Max Boettner. También hay un dibujo titulado “Composición”, que se encuentra en la Biblioteca Musical del Ateneo Paraguayo.

El adolescente (1943) 80 x 100 cm. Óleo sobre lienzo. Colección del Ateneo Paraguayo

En el museo de Bellas Artes puede apreciarse un retrato al óleo titulado “Nostalgia”, realizado en 1944, fecha anterior a su regreso al Paraguay. Otras obras se encuentran en posesión de su familia, aunque muchos trabajos fueron retirados de su domicilio luego de su muerte, ocurrida en Asunción, en el año 1987.

El fantasma del taller (1955) Óleo sobre lienzo, 90 x 50 cm Colección de la familia Echagüe Sisul

Óleo sobre arpillera, sin datos

Retrato del padre, colección de la familia Echagüe Sisul

Observación: Las fotografías de las obras fueron tomadas por Claudia Casarino y han sido publicadas en el Correo Semanal del diario Última Hora, 6 de noviembre de 2004.

Fuentes:

Ticio Escobar (1984) Una interpretación de las artes visuales en el Paraguay. Tomo II, CCPA, 1984

J. Plá, O. Blinder. T. Escobar (1997) Arte Actual en el Paraguay. 1900-1995 Rpediciones, ICI, Instituto de Cooperación iberoamericana, Textos de Josefina Plá

Claudia Casarino (2004) Ofelia Echagüe Vera, a 100 años del nacimiento de una notable pintora paraguaya, Correo Semanal del diario Última Hora, Asunción.

Ofelia Echagüe Vera, Wikipedia

Ofelia Echagüe Vera, Viva Paraguay

H. Lundberg (1986) Tesis de la Escuela de Bellas Artes. Asunción, Paraguay

Diccionario Biográfico "FORJADORES DEL PARAGUAY", (2000) Distribuidora Quevedo de Ediciones, Bs. As.